Jocelyn Mackenzie, Emily Hope Price and Jeremy Styles formed Pearl and the Beard a few years ago after meeting through their love of music and performance. With a very interesting sound, incorporating any and every instrument they can get their hands on as well as their three voices, and even more interesting personalities, the band stopped in Montreal to start off their tour with Ingrid Michaelson. Before their show, I had the chance to sit down with this fun, energetic band to discuss their music, shows and their influences, among other things.

CONFRONT: Can I have a little history 101 about the band?

EMILY: We met at open mic nights in Brooklyn over the course of 2007 and 2008, and we started playing music together. Then we started doing little tours around the area and we went a little further and a little further and now we’re in Montreal!

CONFRONT: Here you are! And how did the name of your band come along?

JEREMY: We picked it out of a hat.

*laughter*

EMILY: We really love making up stories so it came from our love of stories.

JEREMY: Yeah it sounds like a story!

CONFRONT: That’s cool, and does that translate to your albums as well? Do you try to make the album fit a story?

EMILY: I don’t think we try, it just ends up happening. We love the mystique behind a story. You can always relate them to yourself and your personal experiences.

CONFRONT: That’s true. And your band uses a wide range of instruments. How does that translate to your live shows?

JEREMY: We just play what we can play. Whatever the song needs when we’re writing or recording, we’ll put it on. And as far as live, there’s limited space in the van and there’s limited things because we’re not going to bring something that is used only on one song. We brought an accordion for a while but it was sort of a huge process to change it and we were just using it for one song so we changed it to just being on the cello.

CONFRONT: Oh ok. You kind of adapt your live show to what you can bring?

JEREMY: Exactly.

CONFRONT: And with the sound that comes with your different instruments, how do you think you fit in today’s music scene?

EMILY: I think more and more people are incorporating different instruments. We’re using non-conventional instruments but also using conventional instruments in an unconventional way and I think more and more people are doing that. For example, Lost In The Trees is a more chamber pop band from North Carolina. They’ve incorporated the basic orchestra with pop music. That isn’t necessarily all that unconventional because people have been doing that for centuries. In terms of how music is today, I really think that because of the invention of the internet and the way we communicate now. There are no rules anymore, not that there ever were but I think people are breaking out of this conventional mold of expectation and rule-making. There are no rules anymore.

CONFRONT: And how did you end up using all these unconventional instruments music?

JOCELYN: It kind of just comes down to what the song needs itself. But part of it was we just used what we had at our disposal. It was a conscious thought like “this song is going to have a melodica”. I figured out I can hold this with one hand and play this with the other but that was all the hands I had. That’s the limit of my ability there. We try to be open to new creative possibilities without getting to the point where it seems unnatural.

CONFRONT: And actually, how would you describe your sound for people who have never heard you before?

EMILY: The most common would just be…folk-chamber-pop?

JOCELYN: I would say if you like indie-soul, you’ll probably like our band because we do a lot of singing.
That’s the other thing too with instrumentation. It almost feels like we’re doing more than we are because we have three singers. If we only had one singer, I don’t know if it would seem like we had as much going on. It does a great job of filling out the space. And especially when we get to play in towns where people actually know our music, getting the whole crowd to sing along, that becomes its own instrument and that becomes really exciting and sounds awesome!

CONFRONT: Personally, it’s at those moments in a show when I usually get goosebumps!

JOCELYN: I selfishly do too!

JEREMY: I, for some reason, have not heard that much when we’re singing but then my friends will tell me so many people were singing along after. Only when we’re completely unplugged and people are in our faces, will I really hear anything. And that’s not too often these days.

CONFRONT: Well the bigger you get, the bigger shows you do and there’s less proximity with the crowd, right? And do you guys prefer big shows or smaller shows?

EMILY: It’s different! It’s almost like asking which child you like better. They’re so different! Big shows are awesome because you have a thousand people singing along to your songs, or not! Sometimes they’re super quiet and that’s interesting too. The smaller shows are really intimate and you can make the smallest musical choice that’s so quiet and people will hear it.

JOCELYN: And I’m grateful that has happened to us at every level of performance, in front of a thousand people or in front of five people. I think I’ll just have to learn to play in more types of venues. I know what the difference is between fifty people and a thousand people. I don’t know the difference with ten thousand people so I think I’ll be able to answer that better when I have an idea. Not to sound badly or anything but I feel like I know all of those things and I like all of it. But I feel like if I had more experience, I could tell you that say, I hate arenas but I love cafes! It’s just so different.
JEREMY: Everything has its pros and cons. Right now, we’re talking to you backstage and we spend a lot of time back here. We get to know the crew behind the scenes and that obviously differs between places that requires more people or less people. But as far as the crowd goes, I love them all!

CONFRONT: Aw that’s nice! And going back to your music, what were some of your influences for your last album?

EMILY: We worked with two wonderful producers, Franz Nicolay and Dan Brennan. Franz a little bit more in the pre-production and Dan a little bit more in performance and engineering, which was great, having those two sides balancing each other out. Originally, we kind of set out where we kind of just put a mic in a room and just recorded ourselves live. Working with Franz, we made the active choice to develop the songs a bit more and do things you can’t do on a live setting. So I would say the musical inspirations for the album are different than the musical inspirations for the songs themselves. When we play the songs live, we don’t play them how we play them on the album. I would have to think of them in two different ways.

JEREMY: I remember the first album, we definitely had influences like Avett Brothers but this last one, I don’t know. I was influenced by dance-y stuff and the next thing we’re working on, I don’t even know anymore.

JOCELYN: It’s all such a blur. It comes so organically that it’s hard to pin it down.

JEREMY: We’re all into so many different things.

EMILY: I don’t think you can deny your roots though. I know that I listen more with a classical ear. When we have a new song, it’s always hard to get over the construction stage because you just want it to be awesome already.

CONFRONT: Well anyway, incorporating all of your different influences makes your sound unique and more interesting. And how does the construction stage work? How do your songs come alive?

JEREMY: It’s changed over the past four years and over the frequency. A lot of factors end up influencing, like more touring and life. But we’ve done it every way you can imagine!

EMILY: Every single way! We’ve written a song playing a game, we’ve written a song while we’ve been crying, while we’ve been laughing…

JEREMY: In our sleep!

EMILY: Jeremy wrote a song in his sleep the other day!

JOCELYN: Sometimes, we’ll come with a full finished song that we just make tweaks to or sometimes, one of us will have a chorus or a verse and we’ll add to it but it’s really whatever works.

CONFRONT: I’m really interested in knowing how you wrote a song playing a game?

EMILY: We were sitting in a car, driving forever, and we were wasting so much time sitting there when we could be writing songs. So I turned to Jocelyn and told her to give me a number and I had my little book out. I asked everyone for a random number between one and twenty, then I asked everyone for a random word, a noun an adjective or a verb. It was kind of like madlibs! When I had enough words, I asked for another random number and put the words together with the numbers and fixed it and made prose based on the order of those words. I had to adjust a bit. It was like chiseling rock away from a statue. Instead of making the rock into a statue, you’re releasing the statue from the rock. I felt like that later, like it wasn’t a random thing; we had to develop this random way of creating this song or we wouldn’t have found it.

CONFRONT: That’s really interesting though!

JOCELYN: Yeah and once we had the prose, the melody came later and then we added instruments to the melody.

JEREMY: And then we decided with the vocals; who’s going to sing where and what.

JOCELYN: I’d also like to add that since we do have three singers, we decide who sings what very deliberately based on context. It’s often where we need to get a story across or we need the three to sing in unison here but then switch it at the next note for a reason.

EMILY: That’s actually something we’ve never mentioned in an interview before; how every choice is deliberate. I never think about it. But it’s true! Not that no one else does but even little nuances, the smallest little things, they will be deliberate.

CONFRONT: Perfectionists!

JOCELYN: Yeah! We’re very grateful when someone tells us they think this or that sounded great because we really did try.

CONFRONT: That’s cool! Now, I’m going to ask you my last question, which is to draw something that represents you. [Jocelyn drew because she has a bachelor’s in arts.]

JOCELYN: This represents the band.

JEREMY: One aspect of the band. It doesn’t represent the musical aspect of the band, but the human aspect…I just pulled that out of my butt!

To check out some of the band’s music/videos and to see what they’re up to, check out these sites:

Official site : http://pearlandthebeard.com

Facebook : https://www.facebook.com/PearlandtheBeard

Twitter : https://twitter.com/#!/pearlnthebeard

YouTube: http://www.youtube.com/user/pearlybeardness?ob=0

[CHECK BACK IN THE NEXT FEW DAYS FOR AN ENGLISH TRANSLATION]

Luc Tellier est peut-être un nom que vous avez déjà entendu si vous vous intéressez à la scène musicale montréalaise. Ce producteur, mixeur, écrivain et même interprète il y a quelques temps, travaille surtout à développer des artistes de la scène locale, mais il ne se limite pas uniquement à cela. Ayant travaillé avec des artistes renommés autant que des petits groupes d’ici ou d’ailleurs, Luc Tellier a beaucoup d’expérience et lorsqu’on a été contacté pour une entrevue, j’ai vu cela comme l’occasion parfaite pour découvrir cet autre côté de l’industrie de la musique.

CONFRONT: Pour ceux qui ne savent pas, qui est Luc Tellier?

LUC : Je suis un réalisateur, mixeur, engineer, songwriter…j’ai toujours joué de la musique, depuis l’âge de huit ans and j’ai touché à tous les instruments. Aujourd’hui, je suis un producteur et mon but est de développer des artistes et des talents locaux. Je travaille aussi avec des artistes établis mais mon but premier est vraiment de découvrir des talents d’ici qui ont pas nécessairement le budget pour enregistrer. Je les prends sous mon aile et les mettre sur une autre marche de l’échelle.

CONFRONT : Et c’est quoi le cheminement que t’as eu pour arriver à ce point-ci?

LUC : Chaque personne est différente. Moi, dans mon cas, j’ai commencé à jouer de la batterie à huit ans. À 11 ans, j’ai commencé à jouer du piano et de la guitare, j’empruntais les instruments de mon frère qui traînaient dans le sous-sol. Après ça, je suis devenu DJ à l’âge de 15 ans et j’ai commencé à chanter dans des groupes de punk-rock. J’ai tout le temps été musicien et j’étais capable de me promener d’un instrument à l’autre. De fil en aiguille, j’ai commencé à enregistrer des maquettes pour mon band dans le temps, Delson Drive, et j’ai développé un intérêt pour ça. Les autres bands de la scène locale trouvaient que ça sonnait bien et commençaient à m’engager pour faire leurs démos. À un moment donné, j’avais tellement de demandes que j’ai pu lâcher ma job pour faire ça à temps plein.

CONFRONT : Et pourquoi t’as choisi cette branche de la musique au lieu de jouer, parce que justement, t’étais dans des bands avant?

LUC : Justement, j’étais au bout de jouer dans des bands. C’était super le fun mais à un moment donné, t’arrives à un certain âge et tes priorités changent et c’est vraiment dur être dans un groupe de nos jours. Ce que j’aimais le plus, c’était d’enregistrer et de créer la musique. Les shows lives ça me manque beaucoup, mais ce que j’aimais le plus, c’était créer la musique alors je me suis retrouvé à faire plus de la production.

CONFRONT : C’est cool ça! Et qu’est-ce qui fait que tu veuilles enregistrer un band? Qu’est-ce que tu remarques en premier?

LUC : Le fait qu’ils aient du potentiel. Des fois, je reçois des maquettes qui sonnent pas bien, mais j’essaye de voir le potentiel du band. C’est pas tout le monde qui a la connaissance pour bien s’enregistrer et c’est super important d’avoir une bonne production et une bonne chanson; c’est comme ta carte de visite. Quand les bands m’envoient des démos, je fais pas juste écouter la chanson. Je me renseigne sur le band, est-ce qu’ils font beaucoup de shows, est-ce qu’ils ont un following? Est-ce qu’ils ont une bonne attitude? Et quand j’écoute la toune, je veux ressentir de quoi; je veux des artistes qui ont de la substance.

CONFRONT : Et comment tu fonctionnes quand tu enregistres un artiste? Est-ce que tu suis un certain protocole?

LUC : Ça se ressemble, mais en même temps, c’est très différent. Le processus en général, les groupes qui ont entendu parler de moi vont me contacter et mon manager va filtrer les demandes. Ensuite, je vais écouter les démos et je vais entrer en contact avec eux. Si ça marche, on ca établir un budget et se fixer des dates. La première étape en studio c’est de retravailler les chansons. Les gens sont pas trop au courant, mais lorsqu’on enregistre, c’est vraiment pas tu pèses sur « record » et à la fin de la journée, ta chanson est finie. On va vraiment tout discuter pour savoir où on s’en va avant de peser sur « record ». Autant que des fois, avec d’autres projets, ça va être plus expérimental. Il n’y a pas de version établie, il faut que tu t’adaptes à chaque artiste. Il y a du monde qui sont plus insécure en studio et il y en a d’autres qui vont faire le party. Il faut que tu t’ajuste.

CONFRONT : Et avec qui tu travailles en ce moment?

LUC : Je travaille avec un band qui s’appelle Famous, formé du chanteur, du guitariste et du bassiste de Bigger and Better Things, qui était quand même pas mal connu sur la scène locale. C’est un mélange de The Used, Billy Talent et Bigger and Better Things alors on essaye de sortir avec de quoi d’un peu différent. On veut pas juste du pop-punk basique. Je travaille aussi avec Jeffrey Piton, un artiste que j’ai pris sous mon aile il y a deux ans. Je travaille aussi avec Marc-André Niquet, qui a fait Star Académie et aussi avec Meggie Lagacé. Sinon, je fais beaucoup de mix au niveau international. Je vais mixer l’album d’un band qui s’appelle VAMA de Bucharest. Ils ont un gros following là-bas.

CONFRONT : Tu travailles donc pas juste sur des artistes de la scène locale, comment est-ce que tu penses que ton nom s’est répandu un peu partout?

LUC : Je pense que c’est du bouche à oreille, mais merci au web. Sans internet, j’aurais juste fait des artistes locaux et de fil en aiguille, ça se serait élargi. Avec le web, j’ai mixé un band de France à cause de Delson Drive. Ils m’ont contacté et un band de Londres m’ont contacté après et c’était suivi par un band de Suisse, de l’Italie, de l’Afrique, du Japon ça s’est répandu sur tous les continents! J’ai mixé Dear Jane, un band de Hong Kong et la chanson est en chinois alors c’est vraiment une différente approche quand tu mix ça. C’est vraiment l’ « exposure » par le web qui font que je me rapproche de tous ces gens-là.

CONFRONT : Ouais! Et as-tu un genre que tu préfères?

LUC : Avant, oui. J’étais vraiment le producteur pop-punk parce que je jouais dans un band qui jouait ce genre de musique. Dans la dernière année, j’ai fait du folk, du jazz, du métal, de l’électro…j’aime vraiment ça et c’est là que je me suis rendu compte qu’il n’y a pas juste le pop-punk. Maintenant, j’aime plus produire tous les autres styles. On dirait que je suis saturé et la scène pop-punk est aussi saturée. Mais par exemple, avec Jeffrey, on fait du pop-folk et je trippe parce que ça permet de te sortir de ta zone de confort.

CONFRONT : Et ayant travaillé avec tous ces gens-là, de qui penses-tu avoir appris le plus?

LUC : Tous les artistes. Que ce soit un artiste que c’est sa première fois en studio et qu’il tremblait tellement qu’il était stressé, ou même des pros qui arrivent, font un « one take » et c’est fini. J’ai appris de tout le monde, parce que le gars qui a de la misère à faire son accord parce qu’il est stressé, tu deviens un peu comme un psychologue. Un producteur, c’est 50% psychologue, parce que t’es la avec les artistes et leur égo. Il faut vraiment que tu mettes l’artiste en confiance. J’ai appris par exemple à calmer les artistes stressés mais en même temps, j’ai appris à gérer la pression de fournir à la demande des artistes qui sont bons et qui sont peut-être pressés.

CONFRONT : C’est intéressant ça! Et tantôt, tu avais dit que la scène pop-punk était saturée, mais c’est un peu vrai pour toute la scène musicale maintenant, qu’est-ce que tu penses de la scène musicale de nos jours?

LUC : Présentement, ça dépend. On peut dire que c’est saturé dans la scène « mainstream » et commerciale. Le « Billboard » maintenant, c’est comme une grosse piste de danse où les guitares électriques ne sont pas invitées. C’est vraiment que du piston. Je pense qu’il y a juste 17% des chansons sur le « Billboard » qui sont rock. Avant, c’était la musique qui était la plus présente. Mais sinon, je suis pas d’accord que tout est saturé. Il y a certains styles qui sont limités. Par exemple, le pop-punk, c’est vraiment basé sur des types de beat, des types d’accords et de mélodies et à un moment donné, « there’s only so much you can do » et ça fini par se ressembler. Tandis qu’avec le folk, tu peux vraiment mélanger et te promener à gauche et à droite et sortir des trucs qui sont différents. Mais un de mes buts cette année, c’est qu’à chaque projet que je vais sortir, je veux qu’il soit différent. C’est dur d’innover, mais je veux vraiment me forcer et le travailler. Je veux apporter de quoi de nouveau sur la scène locale.

CONFRONT : C’est bien ça qu’on a besoin! Je vais maintenant te demander ma dernière question, qui est de dessiner quelque chose qui te représente.

LUC : Je pense que c’est la meilleure question que je me suis fait poser parce que tu peux pas répondre normalement! C’est vraiment une bonne question.

CONFRONT : Ouais, ça met habituellement la personne « on the spot »! Alors ça te représente?

LUC : Vraiment! Parce que c’est devant ça que je passe le plus de temps dans ma vie. C’est grâce à ça que je peux écouter de la musique; la musique c’est vraiment quelque chose de très important pour moi. Ça peut tellement influencer l’humeur et je crois que c’est vraiment quelque chose de très important dans la vie de tout le monde.

CONFRONT : Je suis entièrement d’accord! Et en fait, pour vraiment finir, as-tu des conseils à donner aux gens qui veulent faire ce que tu fais?

LUC : Faites pas ça dans le but de devenir une star et de faire de l’argent. L’industrie de la musique en ce moment, c’est vraiment un milieu difficile. Les artistes ne font plus d’argent, les labels non plus. Si vous voulez faire ça, faites ça parce que vous aimez ça. Si vous ne faites pas ça pour l’argent, c’est là que vous allez être le meilleur. Vous allez plus vous investir dans vos projets, plus choisir vos artistes, vous allez faire ça pour le fun et c’est vraiment quand on a du fun qu’on produit les meilleurs résultats. Et c’est vraiment travailler, travailler, travailler. C’est 90% effort et 10% talent.

CONFRONT : Merci beaucoup! C’était vraiment intéressant!

LUC : Merci à toi!

Pour en apprendre plus sur Luc Tellier, allez voir son site officiel : http://luctellier.com/

This week, we’re bringing you a suggestion from an artist we recently interviewed! When CONFRONT sat down with Michael “Jag” Jagmin from A Skylit Drive recently, we asked him to give us a song, an artist, or an album that he feels people should know about. Right away, he gave us Conditions. Here’s what he has to say about them.

“These guys are awesome. They’re a genuine rock band, kind of like a modern Jimmy Eat World. They just write good solid songs and they’re probably the main band that I’ve listened to in the past six months. It’s hard to pick out a favorite song. Just their whole new album is awesome.”

Check out Lili-Anh’s interviews with Pearl and the Beard and Luc Tellier(French)!

Click on the images below to read the interviews:

Pearl and the Beard:

Luc Tellier(French):

CONFRONT Magazine is teaming up with Indie Montreal and looking to give away a pair of tickets to one lucky winner.

The rules are simple:

1) Head on over to our Twitter page(@CONFRONTMag). Make sure that you’re following us.

2) Let us know which artist you’d like to see as our Featured cover story in the upcoming months.

The lucky winner will be selected in a random draw and contacted via email.

Please note that participants under 17 years old will be required to attend with an adult or provide a signed consent form.

Also note that no travel or lodging expenses are provided.  The contest winner is expected to provide those stipulations for themselves.

CONFRONT Magazine is teaming up with Indie Montreal and looking to give away a pair of tickets to one lucky winner.

The rules are simple:

1) Head on over to our Facebook page.(https://www.facebook.com/pages/CONFRONT-Magazine/33409553856) Make sure that you’ve liked the page.

2) Tell us what your favorite song from one of the above artists is and why.

The lucky winner will be selected in a random draw and contacted via email.

Please note that participants under 17 years old will be required to attend with an adult or provide a signed consent form.

Also note that no travel or lodging expenses are provided.  The contest winner is expected to provide those stipulations for themselves.

En prévision de la sortie de son nouvel album, je me suis assise le 13 avril dernier avec la chanteuse québécoise Marilou aux bureaux de sa maison de disque, Sony Musique.
Marilou vient tout juste d’avoir ses 21 ans, et elle sort « 60 Thoughts A Minute », son nouvel album, mais son premier dans la langue de Shakespeare. Elle nous raconte son aventure dans la création de ce qu’elle considère presque son enfant.

CONFRONT : Le 24 avril, prochain, tu vas sortir un nouvel album qui s’appelle « 60 Thoughts A Minute ».

MARILOU : Oui.

CONFRONT : Donc félicitations!

MARILOU : Merci !

CONFRONT : Je voulais donc savoir, pourquoi avoir choisi ce titre-là ?

MARILOU : « 60 Thoughts A minute », c’est une chanson que j’ai écrite pour l’album. C’est mes premières compositions, c’est vraiment un tournant dans ma vie en tant que compositeur-interprète et j’avais envie d’écrire à la musique, de dire qu’est-ce que ça me fait d’écrire. Ça peut paraître un peu bizarre, quand je dis « you », je parle en fait à l’album, et je donnais tout le temps « 60 thoughts a minute » à l’album, c’est une déclaration d’amour à l’album, c’est une belle façon de dire : « Je pense à toi à chaque seconde. »

CONFRONT : Est-ce que l’album va tourner autour du thème de l’amour ?

MARILOU : Non, ça n’as pas vraiment rapport, c’est juste que « 60 thoughts A minute » c’est une façon super imagée de dire que j’ai donné chaque seconde de mes 3 dernières années de ma vie à cet album-là.

CONFRONT ; C’est vraiment beau, je pense! Donc l’album est complètement en anglais, et tu as fait une version bilingue de « Wake Me Up On Friday » pour le Québec. Donc, l’album va mener à une carrière plus internationale au lieu de se concentrer dans les pays de la francophonie comme le Québec et la France. Veux-tu nous parler un peu plus de l’album en général ?

MARILOU : Au départ, quand j’ai commenc à écrire, je ne sais pas pourquoi, ça sortait naturellement en anglais. Quand j’étais petite, j’étais inspirée par des vedettes internationales, mes parents écoutaient Michael Jackson, The Beatles, alors j’ai beaucoup grandi avec ça à mon oreille. J’ai eu envie, pour la musique, d’écrire en anglais. Ce n’était pas parce que je voulais conquérir le monde, c’était purement sincère. Ensuite, plus ça allait, plus on avait de chansons et on s’est dit que c’était quelque chose qui allait marcher, toucher les gens un peu plus dans une sphère un peu plus grande que le Québec, et la maison de disque me soutient beaucoup dans ce processus. C’est donc sûr qu’on va sortir ça à travers le Canada, et éventuellement les États-Unis. C’est parti d’une petite ride et ça a pris de l’ampleur.

CONFRONT : Justement, « Wake Me Up On Friday » c’est plus tournée vers la pop, et justement, tantôt tu parlais de Michael Jackson, est-ce que c’est un style que tu voudrais adopter pour une bonne partie de ta carrière?

MARILOU : C’est un peu particulier, car « Wake Me Up On Friday » est à peu près la seule chanson sur l’album qui est dans ce style là, mais c’est sûr que ça me ressemble beaucoup. Tu vas sentir le lien avec tout le reste [de ma carrière], mais je te dirais que c’est la plus pop-ish. Le reste, c’est très folk, il y a une petite touche de country, il y a des mélodies pop, mais c’est un son très feutrée, que j’ai trouvée qui me ressemble bien. Féminin, mais pas girly, car c’est quand même mature.

CONFRONT : Ton son a nettement évolué.

MARILOU : Exactement.

CONFRONT : J’ai entendu dire que tu as fait des collaborations intéressantes pour l’album?

MARILOU : Oui! Tu sais, c’est des gens qui travaillent dans l’ombre, des auteurs-compositeurs qui travaillent avec beaucoup de monde, ils te montrent les chansons qu’ils ont écrites, celles qu’on entend à la radio, et tu trouves ça impressionnant. J’ai collaboré avec beaucoup de gens à Toronto, et c’est auteurs-compositeurs super inspirants. J’arrivais avec mon histoire, et on tournait ça en chansons amusantes, comme « Shot Down By A Smile ». C’est une chanson qui raconte mon histoire avec un soldat rencontré il y a 3 ans. Il revenait d’Afghanistan, il est tombé en amour, ça n’a pas marché, car je ne ressentais pas la même chose. Il m’a alors expliqué que, de toutes les bombes, de tout ce qu’il avait vécu et traversé, ce qui le tuait, c’était son cœur et le fait de ne pas être aimé en retour. Nous avons donc écrit « Shot Down By A Smile ». C’est toutes des petites histoires que je trouve belles et c’est grâce à des compositeurs que j’ai réussi à mettre de plus grands mots sur mes histoires.

CONFRONT : Est-ce que tu aurais des noms à nous partager?

MARILOU : Il y a entre autre Justin Forsley, Rupert Gill, Brendon Zimmatore, JC Smith, c’est tous des hommes qui travaillent avec des canadian idols, c’est très cool.

CONFRONT : En l’an 2006, tu as tourné partout au Québec pour ton album « Tout Simplement Marilou », tu terminais alors ton secondaire en même temps. Est-ce que c’était difficile de négocier entre ta carrière et tes études?

MARILOU : C’est sûr qu’à cause de ma carrière, j’ai eu une enfance assez particulière. Ce n’est pas toujours facile, on a surtout tendance à voir les bons côtés, comme les voyages, etc., mais il y a aussi la vie sociale qui est mise de côté. Par contre, je l’ai très bien fait, j’avais des cours privés et ça s’est super bien passé. Mais pendant ces 3 années qui séparent cette tournée à maintenant, je me retrouve avec cet album que j’ai fait, je me suis construite une vie sociale, j’ai pris le temps de vivre, faire le ménage dans la tête, mes émotions, de me retrouver moi et de me dire : Qu’est-ce que moi, j’ai envie de faire, qu’est-ce que j’ai envie d’écrire, donc c’est une des différences majeures entre la moi d’avant et la moi d’aujourd’hui.

CONFRONT : En 2008, tu as fait partie du casting de l’émission française « Chante! » basée sur la comédie musicale « Fame ». Veux-tu nous en parler un peu?

MARILOU : Je me suis installée à Marseilles quelques mois pour tourner ça. J’avais jamais actée de ma vie, c’était une nouvelle expérience pour moi. Tu sais, je ne m’improvise pas actrice, je suis complètement chanteuse, alors puisqu’il y avait de la musique, j’ai accepté. C’était amusant, une superbe expérience. C’était spécial, mais j’ai beaucoup appris. J’étais jeune, j’étais aussi une québécoise nouvellement arrivée dans une école française, mais ça ne marchait pas super bien. C’était ça mon rôle, mais malgré tout ça, c’était fantastique!

CONFRONT : As-tu eu de la misère à t’intégrer sur le plateau de tournage?

MARILOU : C’était assez particulier, car l’équipe avait entamé le début du tournage depuis déjà quelques mois, mais ça s’est bien passé. Veut, veut pas, quand c’est deux culture différentes, l’humour n’est pas le même, le mode de vie n’est pas le même, ce que tu écoutes comme musique, on a rien à se dire, mais ça se développe et ça créé des liens ensuite. J’ai eu aussi mon premier baiser en face d’une caméra, et j’ai voulu mourir! Avant de tourner cette scène-là, je le voyait boire du café, je me disais : « C’est impossible! »

*rires*

CONFRONT : Est-ce qu’il a pris une pastille ou une gomme pour alléger l’haleine?

MARILOU : Je dois avouer que je ne sais pas mais ce n’était pas si pire. Ma mère et mon gérant étaient là, et avant de tourner cette scène, je leur ai demandé de quitter le plateau de tournage. C’était infernal ! J’en parle et je me sens encore rougir. J’admire les acteurs qui font des scènes plus osées. C’est vrai, Leonardo DiCaprio et Rose [Kate Winslet], quand ils sont dans la « boîte », comment ont-ils pu faire ? Je serais morte avoir été à leur place !

CONFRONT : Est-ce que tu veux continuer à faire d’autres projets au petit ou au grand écran?

MARILOU : Il y a beaucoup de projets qui planent dans l’air, mais ma priorité reste mon album « 60 Thoughts A Minute », et de faire des spectacles avec cette musique-là dont je suis tellement fière. Pour la première fois de ma vie, je présente quelque chose et que si je m’aperçois que les gens aiment pas ça, je me dis que c’est pas si grave, car c’est moi, et comme si je m’en voulais d’avoir fait cet album et je m’en voulais être moi, donc je suis extrêmement contente de cet album. Je veux juste promouvoir cet album pour l’instant.

CONFRONT : J’espère de tout cœur que tout va bien se passer dans ta tournée! Bonne chance avec la promotion de ton album!

MARILOU : Merci pour tout!

Pour en apprendre plus sur Marilou ou pour écouter des extraits de ses chansons, allez voir ces sites:

Site officiel : http://www.mariloumusic.com/

Facebook : https://www.facebook.com/marilou.musique

Twitter : https://twitter.com/#!/mariloubiz

YouTube : http://www.youtube.com/user/MariloumusicTV

When the band was in Montreal back in March, I had the chance to sit down with Joseph and Gbenga for a nice laughter-filled chat. Here’s what they had to say.

CONFRONT: Can I have a little history about the band for people who might not know you?

JOSEPH: When it started, it wasn’t really a band. I started playing music and started recording in a little bedroom studio and I moved to Brighton, England and met a bunch of people that liked the same kind of music that I liked so I gave CDs out and stuff like that. It kind of became more of a thing than I thought it would so I got a band together to start playing the songs. At that point, it was me and a guy named Gabriel. A few years after that, Gabriel left and that’s when Anna and Gbenga stepped in, the most recent record came out and now, we live in a bus. *laughter*

CONFRONT: And how is tour life?

JOSEPH: It can be very dramatic.

GBENGA: I think for the kids, our band has very varying degrees of popularity. On an American tour, we’ll go from playing to 2500 people in Montreal to 300 people in Boston. So that’s very interesting. And at the end of this tour, we’re supporting Coldplay so we’re going to be playing arenas. I kind of like that’s it’s so varied.

JOSEPH: And this time, we have a bus! Last time, we had a van, which was hell. Actually, every tour we’ve done here has been like that, this is the first time we have a bus and we’re very grateful.

CONFRONT: A little upgrade?

JOSEPH: A complete upgrade! So it doesn’t matter if we’re playing to 5 people, as long as we get to sleep on a bus. *laughter*

CONFRONT: And let’s talk about your music. There was a big change between your second and your third album, how would you describe your sound evolution?

JOSEPH: The simplest way to describe it would be: it’s the first record that was recorded in a studio and was recorded without arranging it the way that you would for dance music. All the rest of the stuff was on our computer with loops and stuff like that. To me, it has the elements of the second album but recorded in a traditional way. But also, maybe the feel of the songs was a bit less frantic because I think I feel a bit less frantic! *laughter*

CONFRONT: I guess the more you grow, the more focused you get?

JOSEPH: Yeah! And a really nice thing about the way that it has hanged and the way people have responded to it is that it’s exactly what I want to be doing as a songwriter. And have people edging you on rather than just dropping off. It’s nice! Hopefully, we’re getting better.

CONFRONT: And what about your next album? Is it heading towards the same direction?

JOSEPH: From the little ideas that I’ve got at the moment and the little bits of recorded ideas that I have, it exists in the same atmospheric world but I think musically, it’s going to be a lot more of a tip of the hat to the first album. I guess I’m starting to understand everything of it better. I like the idea of bringing everything together a bit more.

CONFRONT: So kind of going back to your roots?

JOSEPH: Yeah, return to form! *laughter*

CONFRONT: And which song do you think represents the band?

JOSEPH: I don’t know really! It’s kind of difficult. If you came to see us and we played something like “She wants” or “The bay”, I think you’d probably get a pretty good feel for stuff.

CONFRONT: That’s very vague! *laughter*

JOSEPH: It is very vague!

GBENGA: There’s so many different types of songs. There’s the instrumental side to the music as well. I’d say you need one instrumental track and one vocal track.

CONFRONT: So you’d have two?

JOSEPH: If we had to pick one, we’d choose two! *laughter*

CONFRONT: That makes sense! Now, I’ve read a lot about your live show and how great it is. What do you think makes it so special?

JOSEPH: I’m not really sure. I never imagined that I would be doing this and it kind of feels like we’ve gotten to this point without thinking about it too much. The only thing I can assume is that is hat is charming about it. While we’re getting more popular and we’re trying to raise our game to that level, I think it still has that feel of something…

CONFRONT: Genuine?

JOSEPH: Yeah!

GBENGA: I think a lot of the bands get into the trap of right from the beginning, having a very dead-eye drive to become massive and I think that translate to their live shows. So as soon as they can, they’ll get a lot more crew and they’ll be more “professional” and they’ll put stuff on backing tracks. That consistency is obviously their advantage but I think it just makes things kind of generic as well. Our live shows, I think we still feel like people who come and see them aren’t ever going to see the same show twice.

JOSEPH: We still feel like anything can go wrong. It kind of keeps everyone on their toes maybe? That element of danger!

CONFRONT: Well that’s cool! Because the fans have heard your songs over and over the same way on your CDs so it’s a different experience!

JOSEPH: I’m not a big fan of live music but in a strange way, I think if you’re going to make it worth seeing someone play a concert, then it should be something that can only be seen like that.

GBENGA: Yeah I think that’s just another thing. Physically, on the records, it’s mostly Jo who plays the instruments so when you come to the live shows, it’s different people playing the instruments and it already give it a different feel.

CONFRONT: It gives them new light right?

GBENGA: Exactly!

CONFRONT: Now, I’m going to ask you to draw something that represents you. And then you have to explain it to me after.

GBENGA: Jo is actually pretty good at art. I’m terrible. [He started talking as he guessed what Joseph was drawing.] Do you have any spreads that you put on bread that are made from yeast extract? We have this thing in England called Marmite and some people love it, like Jo.

CONFRONT: What does it taste like?

GBENGA: It tastes like tar. *laugher* And it looks like tar too but it’s oddly popular.

JOSEPH: It tastes savory. They make it by scraping the top off beer. It’s a by-product of the distillation process.

GBENGA: It’s cheesecake. It’s my favorite dessert. New York cheesecake. The first time I came to the States, my sister-in-law, who is American, made one for me because I had never had any. It was pretty big and over the course of three days, I had eaten all of it myself. *laughter*

CONFRONT: Well that’s it for me! Have a great show tonight!

JOSEPH: Thank you!

Check out CONFRONTube for a clip of the guys when they were drawing and guessing each other’s drawings!

To learn more about them and to check out their music, go on these sites:

Official site: http://www.metronomy.co.uk/

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YouTube:  http://www.youtube.com/user/metronomyofficial

Suggested by Jenia S

What should you check out during the week of May 9th 2012?

How about Keanes brand new album “Strangeland”?  The band will be in town at the Olympia on June 18th.

“Strangeland is the fourth studio album by English alternative rock band Keane, released from 4 May 2012 through Island Records. It is their first full length album since Perfect Symmetry (2008), as well as the first to feature bassist Jesse Quin as a permanent official member. The album’s name and track listing were revealed in late February 2012. It was preceded by the lead single “Silenced by the Night” on 13 March 2012.

Keane began working on demo tracks for Strangeland in 2010. In May 2011 the band met up with English producer Dan Grech-Marguerat, who according to Tim Rice-Oxley is “a massive Keane fan”.^[1] The producer said the band wanted to “[go] back to the songwriting of their first two albums”, while making an album that sounded “rich and simpler”.^[2] According to Rice-Oxley, the album is inspired by the The Vaccines’ album What Did You Expect from the Vaccines? (2011), which was produced by Grech-Marguerat: “We loved what Dan Grech did on The Vaccines album. It had just come out. He’d also done stuff with Radiohead and produced the second Howling Bells album, which I loved.”^[1]

Compared to Keane’s previous full-length studio album Perfect Symmetry (2008), the album focuses more on songwriting: “We wanted it be less production led and focus on making sure that the songs were great. You write a lot of shit songs to get to the good ones.” Tom Chaplin also said the sound of the album is reminiscent of earlier Keane, calling Perfect Symmetry “a bit self-indulgent”.^[1]

“Silenced by the Night” was released as the album’s lead single worldwide except for the United Kingdom on 13 March 2012. Keane performed “Silenced by the Night” for the first time on 12 March on American talk show Jimmy Kimmel Live!.^[19] The song was sent to US adult alternative radio stations on 26 March 2012. In the United Kingdom, the single was released on 15 April 2012 after the release date had been brought forward from 30 April 2012.^[21][22]

The second single, “Disconnected”, was released on 27 April 2012 in Germany, Switzerland and Austria.^“

Single: Silenced By The Night

Track listing

All songs written and composed by Tim Rice-Oxley, Tom Chaplin, Richard Hughes, Jesse Quin.

Source: wikipedia

CONFRONT Magazine is teaming up with Indie Montreal and looking to give away a pair of tickets to one lucky winner.

The rules are simple.

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The lucky winner will be selected in a random draw and contacted via email.

Please note that participants under 17 years old will be required to attend with an adult or provide a signed consent form.

Also note that no travel or lodging expenses are provided.  The contest winner is expected to provide those stipulations for themselves.